Volviendo al pasado: batik & tie-dye

Por el lado de teñidos y estampados manuales existen muchas técnicas que han sido usadas desde hace cientos de años en grandes culturas. Las dos principales son el batik y el tye-die.

El batik es una técnica que viene de la India (aunque también se ve mucho en África). Es una técnica que usa la cera para hacer reserva sobre el material, despues se tiñe toda la tela, y finalmente se remueve la cera.

Se puede hacer el proceso todos las veces que se necesite, y asi lograr combinaciones de los colores que le dan más variedad. Esta técnica tiene una característica que le de su personalidad: normalmente la cera al enfriarse se craquela, dando una sensación de textura diferente al teñido.Además permite crear muchos pequeños detalles, pero para esto, requiere mucho talento, y muchísima más paciencia. Es una tecnica que tiene un efecto étnico y cultural muy evidente, lleno de cáracter y tradición.

 

El tye-die es la técnica más conocida en la cultura popular: consiste en hacer nudos sobre las prendas o la tela para lograr crear reservas. La verdad, nunca me ha gustado mucho el tie-dye.

Me parece el peor cliché de los 70’s, y siento que todo se ve como el mismo arcoiris en espiral, pero he encontrado propuestas muy interesantes que me han hecho perderle el miedo y ver que existen muchísimas posibilidades de lograr resultados diferentes con esta étnica.

Si a alguien le interesan otros tipos de teñido manual, les dejo los nombres de otros métodos no tan conocidos: Kalamkari, Katazome, Leheria, y Shibori. Básicamente, todas tienen el mismo principio de reserva, solo que como provienen de difretentes culturas, usan objetos y técnicas diferentes para hacer los diseños.

De la creatividad, a la creación: procesos de estampación.

Ya he hablado mucho de la parte buena de esto, ahora sigue la parte técnica. Mi intención no es convertirlos en expertos en estampar. La idea es que conozcan que métodos existen, para que sepan a que se enfrantan y que limitaciones tienen.

Hay muchísimas formas de aplicar estampados sobre superficies textiles. Las más comunes son: serigrafía, tampografía, manual y digital. Elegir entre las técnicas depende del tamaño de la producción, la cantidad de colores, y sobretodo, la composición del tejido.

En la serigrafía, se sacan un bastidor (un marco con un pedazo de seda con el diseño) por cada color, por es es recomendada para cuando se tienen 6 colores o menos. Se aplica una tinta (puede ser a base de agua o de aceite, según el uso final de la prenda) sobre el bastidor y esta pasa a la tela, osea que la tinta no penetra el tejido, sino que esta sobre este, y puede sentirse. Se repite el proceso por cada color que se tenga. No  se justifica usar este tipo de estampación cuando se hacen producciones muy pequeñas. Esta técnica también se puede aplicar sobre casi cualquier tipo de superficies, pues sus tintas tienen buena adherencia. Para producciones más grandes, se puede hacer serigrafía rotativa, que es básicamente lo mismo pero en vez de bastidores, se tienen rodillos con los diseños, uno por color tambien.

Diseño estampado por serigrafía, donde se usaron 3 bastidores diferentes, una por color:

La impresión digital es básicamente una impresora gigante con tintas que se adhieren y absorben en las telas. Permite pasar directamente el archivo del computador a la tela, logrando la mejor calida y definición en el estampado. Las debilidades de esto serian los costos altos y que no se adhiere tan bien a todas las telas. Hay que tener muy presente la composición del tejido, ya que cada uno absorbe las tintas de una forma diferente, lo cual puede afectar la calidad de la imagen y la absorción de los colores.

Una opción muy desconocida, pero en mi opinión la mejor para el universo de swimwear, es la sublimación. Es una especie de transfer, como cuando se planchaba una hoja especial sobre una camisa. En este caso, se imprime sobre un papel que a simple viste parece que hubiera quedado feo pues los colores se ven opacos y no se ven de buena calidad. El momento mágico es cuando se pone la hoja sobre la tela (que es este caso DEBE ser poliéster, ya que otras telas como el nylon o algodón se quemarían o derretirían) y se meten en una plancha gigante con altas temperaturas. El resultado es increíble. Se ve una calidad igual o hasta mejor a la de la impresión digital, y los colores se ven vibrantes. Está técnica no tiene limitaciones en el número de colores, pero como los papeles de sublimar tienen un tamaño máximo de 70x50cm.

Hay muchas otras formas, pero según mi corta experiencia, estas son las más importantes, y creo que con esta información tiene lo suficiente para defenderse y encontrar algo que se acomode a sus necesidades. Espero que les sirva la información y que puedan aplicarla!

 

 

Mi inspiración: Mara Hoffman

Cuando a un diseñador de modas le preguntan: “¿cuál es tu diseñador favorito?¿quién es tu ídolo en el mundo de la moda?” se esperarían respuestas como Karl Lagerfeld, Marc Jacobs, Dolce & Gabanna o John Galliano. Entiendo estás respuestas, pero sinceramente, yo no los veo como mis ídolos.  Mi respuesta sería sin duda, Mara Hoffman. Puede que su nombre no sea muy conocido o que no sea considerada una la diseñadora más prestigiosa, pero definitivamente es la diseñadora a la que más admiro y que más me interesa.

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Ella es un talento en ascenso que abre paso a la parte gráfica en el mundo de la moda. Todas sus piezas, desde chaquetas hasta bikinis, tienen su sello personal: estampados con mucho color inspirados por la naturaleza, por sus viajes, por tribus y culturas, y por formas geométricas y caleidoscópicas con aires místicos.

Su más reciente colección, Otoño/Invierno 2011, tiene una sensación mística y un poco más oscura que las pasadas, pero sin dejar atrás su estampados y sus siluetas femeninas.Les dejo en video esta colección en NY Fashion Week 2011:

Diseñador Favorito (encuesta)

Missoni 2011: Explosión psicodélica tribal

Siguiendo con la «onda étnica» del post pasado, les traigo la nueva colección de Missoni, Primavera/Verano2011. Es una explosión de color con una clarísima influencia étnica en sus grafías. Bloques de colores brillantes y eléctricos, elementos geométricos sobrepuestos, exageración y la extravagancia en las texturas definen este colección. Sus estampados tienen una sensación vibrante y muy tribal: principalmente dan una apariencia de grafías africanas pero es casi que imposible decir las inspiraciones exactas de los estampados.

Cada una de las prendas tiene círculos, cuadrados, rectángulos, triángulos, zigzags, sin dar muchos respiros. Es una pieza tras otra completamente saturada de formas y colores. El contraste del negro con los colores pop ácidos como el amarillo, naranja, azul y verde le dan un equilibrio a esta colección tan cargada. Cada prenda parece una obra de arte contemporáneo. Cada una cuenta una historia diferente por sus texturas, formas y por los textos que tienen, los cuales provienen de canciones de rap de los 90.

Siento que este es una de estas colecciones de grandes diseñadores en que deciden sacrificar un poco la prenda en sí para poder expresarse artísticamente y crear más que moda, arte. Definitivamente es otra cara de Missoni, conservando su esencia pero mucho más arriesgada y apelando a un público más joven y vanguardista. A la hora de la verdad, es una colección que habría que separarla para poderla entender y poderla usar pues son piezas únicas que sobresalen demasiado.  Es una colección muy concisa y clara conceptualmente, con un excelente uso de los recursos gráficos para lograr transmitir la sensación.

También crearon un video promocional de su colección que mantiene el efecto de un ambiente enérgico, divertido, excéntrico y psicodélico.

Holly Fulton: Marcando Tendencias

Es oficial: ya se acabaron los últimos desfiles de esta temporada de Otoño/Invierno. Una de las grandes tendencias en estampados fueron las formas arquitectónicas y geométricas, como en las pasarelas de Etro y Moschino Cheap and Chic. Sin embargo, Holly Fulton ha venido cultivando esta tendencia desde hace varias temporadas. Aunque no es un nombre muy conocido todavía en el mundo de la moda, es una diseñadora que definitivamente se destaca con su estilo propio y tiene un gran futuro en la moda. Su fuerte son los grandes accesorios y sobretodo, los elementos gráficos que les dan vida sus prendas.

Esta colección fue el primer desfile que realizo sola, y fue la prueba de  que es mucho más que una diseñadora de modas con un buen sentido gráfico. Aunque no se puede negar que las siluetas y los cortes de los vestidos son más bien sencillos, los estampados se llevan toda la atención. Es difícil pasar desapercibida en un vestido suyo, y tiene además un estilo tan característico que creo que es precisamente esto lo que hace que algo se quede en tu cabeza y te quedes con las ganas de tenerlo. Lo que le dio vida a esta colección, como sus otras pasadas, fueron los estampados con una fuerte inspiración de los 60’s, el pop art y sobretodo, el art deco. De alguna manera, Holly logró crear un equilibrio y una armonía para que los estampados tan llamativos no se «comieran» los vestidos. Rascacielos en blanco y negro. Formas geométricas que parecen máquinas futuristas. Tonos audaces como naranjas y turquesas contrastados con blanco y negro. Labios rojos y manos glamurosas. Este es el universo gráfico de Holly Fulton. Esta es una nueva forma de ver el mundo de la moda.

De lo gráfico, a la moda

Mi amor por los estampados me llevo a intrigarme por el mundo de la moda. La verdad, esta fue mi primera opción como carrera, pero había una gran parte de este tema que no podía entender, y me alegro de no haberlo tratado de hacer.

Un día necesitaba un soporte para unos estampados que había diseñado. Tenía muchas opciones: almohadas, cuadernos, sombrillas, bolsos, cortinas, etc., pero nada me convencía. Necesitaba un objeto en el cual pudiera arriesgarme con colores brillantes y con imágenes saturadas. Necesitaba algo que le diera vida a mi lenguaje gráfico. Decidí empezar a investigar sobre la moda, pero manteniendo mi visión como diseñadora gráfica. Empecé a verla de otra forma: ya no como unas telas cosidas con la intención de hacer algo raro que nadie se iba a poner, sino más bien como unas telas que se convertían en objetos de expresión. Vi la moda como una especie de lienzo para plasmar mis diseños. El universo de beachwear y swimwear particularmente eran los que más me intrigaban y me proporcionaban más libertad en la parte gráfica ya que los colores brillantes y la saturación de estampados que me encantan, son más aceptados en estos universos. Por esto, este blog se irá enfocando más en la moda, principalmente (pero no exclusivamente) en vestidos de baño y accesorios manteniendo la importancia de la aplicación gráfica y de los estampados.

Inspiración étnica de la semana: Bogolán

Los bogolán o «telas de lodo» son piezas artesanales hechas a mano sobre tejidos de algodón y dibujados con lodo fermentado teñido.

Tradicionalmente, los estampados eran hechos por mujeres de una tribu africana, los Bambaras (tribu principal de Mali). Usaban piezas de metal y madera como pinceles, y dibujaban con lodo teñido usando sustancias orgánicas como cortezas de árbol, hojas y piedras. Eran vestidos por los cazadores como camuflaje, y también lo usaban las mujeres después de haber dado a luz para alejar a las malas energías y proteger a los bebes.

Estás piezas étnicas se caracterizan por sus formas geométricas llenas de simbolismo. Cada bogolán contaba una historia, como la de guerreros Malis que luchaban contra los franceses o hasta con cocodrilos. Los colores más usados son el naranja, amarillo, y café.

Actualmente, no son ni diseñados ni usados en la misma forma ni con el mismo significado que tenían antiguamente. Estas piezas se han vuelto muy comerciales y apetecidas por los turistas. Además, diseñadores de moda africanos, como Chris Seydou, se han encargado de incorporar estos estampados en el mundo de la moda internacional.

Cúbrete con Catalina Estrada

Una de las diseñadoras colombianas más reconocidas a nivel internacional (en mi opinión, «la más reconocida») es Catalina Estrada. Tiene entre sus clientes a grandes marcas como Coca-Cola, Microsoft, Zara, Nike, Levis, Mercedes Benz, Motorola, entre muchos otros. Su trabajo se diferencia de cualquier otro y tiene un sello muy personal que los hace fácil de reconocer. Tiene un gran amor como yo por los estampados, y se ve claramente en sus trabajos. Es experta en aplicarlos en cualquier objeto, ya sea un vestido de un gran diseñador, o un cuaderno.

En este caso, Catalina Estrada trabaja con «Ezpeleta», una compañía portuguesa que se dedica a diseñar sombrillas y paraguas. Juntos crean una excelente colección en donde cada pieza cuanta una historia fantástica a través de su estampado.

Desde los paraguas grandes y trasnparentes, a unos pequeños y compactos, se puede apreciar una buena unión entre el diseño y el producto. Cada detalle del producto está perfectamente pensado e intervenido: el empaque, la marquilla, la base del paraguas, el cordón, el botón. Es una excelente muestra de como aplicar un diseño a un objeto va mucho más allá de solo «poner un dibujo en la tela».

Para ver el resto de la colección y los empaques de las sombrillas, da click acá. Para ver el portafolio completo de Catalina, visita su página web acá.

Sanna Annukka: sencillamente extraordinario.

Una de mis ilustradoras favoritas es la finlandesa Sanna Annukka. Me gusta tanto su trabajo que aunque tenía planeado no llenar mis posts con imágenes, no puedo evitar poner más de sus diseños. Me provoca poner su portafolio entero, o hasta convertir este blog de estampados, en un blog dedicado completamente a Sanna Annukka. No se que tienen sus diseños que me llaman tanto la atención. Cada vez que miro detalladamente su trabajo, veo que son formas muy básicas que se repiten a lo largo de sus ilustraciones, pero de alguna manera, todos se ven completamente diferentes. Me impresiona como su estilo de ilustrar, sin efectos, con formas simples, sin muchos colores, sin muchos objetos, pueda lograr crear un mundo gráfico tan único y tan amplio.

Ella siempre tiene un elemento folclórico en su trabajo (que es algo muy distinto a una sensación étnica). Tiene una gran habilidad para simplificar cualquier objeto y reinterpretarlo con figuras geométricas. Controla el color de una manera que le permite crear una imagen muy vibrante con solo 2 o 3 colores. En este caso, no describiré más su estilo, prefiero dejarlos disfrutar más trabajos de Anna y que las imágenes hablen por si solas.

Si como yo, quedaron con las ganas de ver más, esta es la página de Anna Sannukka: http://www.sanna-annukka.com/